绿雨（王怀庆：不失重 能飞翔）
艺术家王怀庆，一位生于北京的才子，他的艺术之路始于上世纪七十年代。在中央工艺美术学院（现清华大学美术学院）的求学岁月里，他先后取得了学士和硕士学位，造型准确、线条流利的插图使他名声鹊起。他的艺术观念和精神启蒙得益于吴冠中先生的深远影响，被艺术评论家誉为“追随吴先生的一员猛将”，持续探索中国现代艺术语言形式。
早年，王怀庆曾游历欧美，这段经历更加坚定了他对于“中国文化的传承可视为当代艺术表达的一缕活水”的信念。他创造性地将中式家具以图像方式演绎，摒弃自然写实主义，展现物体核心灵魂。他的艺术之路经历了“结构—解构—建构”三个阶段，最终打破画面边框的界限，从纯粹的油画到材料的介入和平面的扩展，再到二维平面与空间的交融。他的画作传达出厚重的历史感和文化感，每一幅画面都仿佛是一个族群的记忆、一个民族的阅历与沧桑。
2021年末至2022年3月，王怀庆带着76件代表作品回到母校清华大学艺术博物馆，举办了生平第一个在北京的个展《纵横——王怀庆艺术展》。此次展览引起了广泛关注，笔者也有幸与他进行了深入交流。
王怀庆的艺术作品极具挑战性、独特性和创造性，成为当代艺术圈可供研究的典型案例。尽管已78岁高龄，他依然深居简出，苦心孤诣于中国文化精神，为自己创造了不受干扰的艺术空间。他的丰满而鲜明的艺术个性正是基于此。
在《纵横》展览中，王怀庆的作品以椅子为主题，叙述了艺术家不断探求和表达的过程。椅子在中国传统文化中具有深远意义，是生活方式和文人墨客书写方式的转变标志。王怀庆将椅子推向画面中央，成为作品的主角，这是他独特的艺术表达方式。他对椅子的描摹找到了身心合一的安定感，这可能与他早年的木工经历有关。他对木头有着细腻的体味与观察，这种体验影响了他的艺术创作。
上世纪八十年代，王怀庆曾出国深造，在博物馆、美术馆中汲取西方巨匠的艺术精华。他发现“水土不服”的问题，意识到面对世界庞大的文化基盘，艺术家需要选择好文化落脚点。王怀庆拒绝了外来文化对于中国审美的修正，毅然回国。他过起了独来独往的隐匿生活，回溯传统艺术，不断吸收与扬弃。作品《三味书屋》记录了他这一时期的求索过程。
王怀庆的艺术创作是中国传统文化与现代艺术的完美结合，他的作品不仅是对历史的传承，更是对当代艺术的创新。他的艺术生涯是一个不断探索、不断挑战自我的过程，他的艺术作品是当代艺术市场的瑰宝。他的艺术之路还在继续，我们期待他未来创作出更多令人震撼的作品。三味书屋：王怀庆的艺术之旅
自1986年的作品《故园》开始，王怀庆让世界看到了他的艺术创作才华，同时也让自己更清醒地认识了自己的艺术方向。在江南园林的建筑中，他找到了自己艺术的落脚点，通过布面油画这一媒介，展现出了分明又不刻板的书写性线条。
《故园》中的画面，几根梁柱构筑起一个纵深感的情绪空间，弥漫着不可言说的哀婉。这种充满文化隐喻的创作让王怀庆着迷，并将他的艺术触角从建筑拓展到家具，尤其是明式家具的巅峰——简约、朴拙、古雅的明式官帽椅。以此为原型的《大明风度》获得金奖，展现了王怀庆在艺术与传统文化间的独特视角与情感。椅子的尊严与灵动并存，而王怀庆在黑白、强弱、虚实的对比中寻找美的制衡。
随着时间的推移，王怀庆的艺术创作愈加丰富。他直取五代十国名画《韩熙载夜宴图》中的床，创作了《房中房—韩熙载之床》。他笔下的床不再是简单的卧榻，而是厅堂、书房坐卧两用的活动空间，承载了古人的智慧与落寞。这种以静衬动、以恒映逝的对比性特征让画面充满张力。
王怀庆的艺术创作始终根植于中国文化之中。从《直角》《椅子和椅子》等一系列作品中，人们看到了王怀庆对纷乱世界的秩序追求。这些作品中的“物形”被解构，引发观众对人与天、人与地、人与人、人与己关系的深层思考。红色在这一时期的使用更加显现王怀庆关注点的转变，从物到人。
王怀庆并未全然泥古于传统。他时刻警惕着传统的影响，有选择性地吸收传统精髓并将其转化为当代语境下的艺术表达。他创作的《天工开物》《凹凸》等作品展现了他自我更新的能力，将对象碎片化、平面化、符号化，抽象表达古人造物的本源与艺术苦旅的沧桑正道。
让物性在画布上自由挥洒
智者自知，明者知人。王怀庆在艺术创作的世界里，始终保持着清晰的自我认知。他不仅在拥抱传统经典艺术的对新鲜的事物同样保持着敏锐的洞察力。他坚信，生动的东西是不受结构、逻辑所限制的。语言的多元和表现手段的丰富，都能带来新的视角，揭示未知的世界。
自2010年起，王怀庆开始尝试用金属铝板创作折叠雕塑系列作品，如《三足鼎立》《一炷香》《格》等。他将塑形的观念转化为“线”和“面”的空间对话，通过折叠改变物象的方向和角度，追求体量中的“空”的意识，形成空间的流动性。这些立体雕塑不仅消解了传统雕塑的固有意义，而且赋予了“线”和“面”独特的生命力。铝板在王怀庆的手中，原本硬朗的线条因为巧妙的剪裁，呈现出一种灵动的柔韧性，获得了独立的审美价值。
有一段时间，王怀庆甚至放弃了“画”与“塑”的表现手法，直接以木头为媒介，让物性在画布上自由挥洒，形成了《出山》《松竹梅》等一系列装置艺术作品。尽管年事已高，但他亲力亲为的创作过程让他乐在其中。他觉得，自己的作品需要自己负责，每一个细节都要尽心尽力。
王怀庆的创作过程，如同小说家卡夫卡所言，是“迫于内心的压力”。他创作的手段更迭，绝不是形式上的探索，而是内在的需要，是外部世界对内心的挤压而形成的冲动。他的作品中，那些似有还无的图像，是他涤除表象后的提纯与升华，是他对中国人神完气足的精气神的独特诠释。
《巢》和《知白》是王怀庆在疫情期间创作的系列作品。在这幅宏大的画面中，仅凭借数根线条就撑起了博大的空间结构。这些简洁而利落、苍厚浩茫的水墨线条，是中国人精神气质的写照，是中国意象审美心理结构的烙印。王怀庆的黑白世界凝重而厚实，如同碑拓的质感，透露出一种独特的美感。
疫情让艺术家回归内心，他们的作品成为了抒发静谧而不朽的精神支撑。王怀庆的作品中，“只剩筋骨，不留皮毛”，这是他内在的霸悍精神的注脚。他坦言自己无需悲观或谦虚，因为他一直在前进，将原本的物象更加精神化，语言更加纯净。他将可有可无、艺术承担不了的部分剔除出画面，只留下那些不容置疑、不可商量的、不可忽视的元素。
王怀庆深受恩师吴冠中先生的影响，他推崇明末清初画家石涛的一画之法——万物万相之间绳绳相连、绵绵无尽。王怀庆在“一画”中幻化出万千世界，他在纵横两条线的坐标中自我校正、自我完成。他是一位执着又单纯的人，心有所愿，行之将至。他从容不迫，任由岁月陶铸，等待“破茧化蝶”的那一刻。
他的艺术之路如同开池待月，池成月自来。他不露声色地磨炼心性，在沉潜中孕育着动的能量。他对自我最真实的描述是“不失重，能飞翔”。他就是王怀庆，一位心有所愿、执着于艺术创作的艺术家。